Echoes of Broken Souls: Un viaggio tra fratture e riconciliazione

Gli artisti in mostra 

Tra i protagonisti di Echoes of Broken Souls, Anastasia Silvestri affronta il tema della vulnerabilità e della resilienza attraverso il figurativo. Con personaggi simbolici, la sua arte invita a riflettere sul dolore e sulla speranza, proponendo una visione che guarda alla possibilità di rinascita anche nella sofferenza.

Andrea Kraus, con la performance Unveiled, esplora l’anima umana attraverso il corpo e gli occhi, rivelando emozioni e pensieri nascosti. La sua ricerca visiva diventa un viaggio introspettivo che si trasforma in un dialogo empatico con il pubblico, riflettendo sulla vulnerabilità e sull’intensità dell’esperienza umana.

Ben Kersaan, con il suo progetto Is that Uncle Mohammed lying there?, utilizza tele monumentali per raccontare le conseguenze devastanti della guerra. Il suo stile, ispirato a Picasso, sollecita una riflessione sulla pace e sulla preservazione dell’innocenza, un tema centrale in un mondo segnato dal conflitto.

Chiara Mazzarino, attraverso paesaggi desolati e figure stilizzate, evoca l’isolamento e la solitudine. Le sue opere offrono uno spunto per riflettere sul disorientamento che la guerra e la sofferenza umana generano, stimolando una riflessione sul vuoto lasciato dai conflitti.

Gerhard Kroyer porta l’astrazione al centro della sua ricerca, esplorando il colore come strumento emotivo. Le sue composizioni, intense e contrapposte, offrono un dialogo sensoriale che invita il pubblico a esplorare la relazione tra il mondo esterno e l’interiorità.

Justin Chan, con la sua fotografia, trasforma l’arte in un’esperienza emozionale. Le sue composizioni ipnotiche esplorano il tema dell’interconnessione, utilizzando colori audaci per esprimere temi universali come speranza e connessione umana.

K&F, Karim e Francesco, attraverso il loro linguaggio astratto, raccontano storie di resilienza e speranza. Con pennellate dinamiche e colori vivaci, le loro opere esplorano la bellezza e la distruzione in un continuo dialogo tra caos e serenità.

Lidija Commeça esplora le relazioni umane e la trasformazione attraverso le sue opere. Con un linguaggio visivo che invita alla riflessione e al cambiamento, la sua arte diventa uno strumento di introspezione, in grado di risvegliare la consapevolezza in un mondo in continua evoluzione.

Marijke Lambregtse affronta la crisi ambientale e sociale con un approccio estetico profondo. Le sue opere, realizzate con materiali riciclati, invitano a riflettere sulla distruzione del mondo, ma offrono anche uno spazio di speranza e consapevolezza, spingendo alla necessità di un cambiamento.

Masaki Watanabe esplora il dualismo tra luce e oscurità, trovando bellezza nell’accettazione dell’oscurità. Le sue opere invitano il pubblico a confrontarsi con le proprie fragilità e a trovare serenità nell’imperfezione.

Nena Lang, con il suo linguaggio astratto, unisce la natura e la musica in un’esperienza visiva che trascende le parole. Le sue opere dinamiche e luminose invitano a esplorare il mondo interiore e a comunicare con l’anima, creando un ponte tra l’emozione e l’estetica.

Riky R. Christian esplora le emozioni difficili attraverso il corpo umano, spesso femminile, rappresentato in pose di dolore e malinconia. Le sue opere, intense e intime, invitano a riflettere sulla sofferenza universale e a riconoscere la connessione tra il personale e l’universale.

Rita Chehab cattura l’essenza della femminilità e dell’esperienza umana, esplorando le sfaccettature della figura femminile. Con una tavolozza di colori vibranti, le sue opere celebrano la forza e la bellezza dell’essere umano, mettendo in luce la molteplicità delle emozioni.

Rita Maia e Silva, influenzate dalla musica, creano un viaggio visivo che fonde astrazione e cubismo, invitando a riflettere sulle connessioni tra gli esseri umani. Ogni pennellata diventa un racconto di vita e interconnessione.

Rosarinho Andrade, con la sua arte geometrica, esplora l’armonia tra forma e spazio. Utilizzando materiali naturali come cotone e lana, le sue opere celebrano la tradizione tessile, evocando emozioni che nascono dalla relazione tra spazio e percezione.

Stephen Liu affronta la fragilità dell’esistenza umana, rappresentandola come una fiammella che si spegne rapidamente. La sua arte invita a riflettere sull’equilibrio tra l’effimero e l’eterno, apprezzando ogni momento come un dono da custodire.

Infine, Veronika Slivova, con la sua pittura astratta, trasforma il colore in voce e le forme in emozioni. Le sue opere, piene di gesti istintivi e colori intensi, invitano a un continuo dialogo emotivo, trascendendo il visibile e aprendo nuovi spazi di riflessione condivisa.